昨天招平面设计师，半天收到51份简历。未来最缺的不是人，甚至也不是资金，而是项目。做什么才能赚钱，怎么做才能赚钱，这个问题越来越重要。随便做点什么都能赚钱的时代已经一去不复返了。
平面设计师在网上开店能赚钱吗？
1.平面设计师在网上开店，可能可以赚一点小钱，但是如果只是个人做的话，是很难赚到大钱的。2.首先在网上开店，一般都是在淘宝，京东，拼多多等商城上开店。而这些网上商城中已经有非常多的相关店铺了。也就是说，竞争力是非常大的，而排名比较靠后的店铺是很难被客人看到的。
只要有技术是肯定可以赚钱的啊，如果没有技术开了店也赚不到钱。就好比你开一个早餐店你做的早餐难吃，谁愿意继续去吃你的早餐啊，开店的位置不是主要的，主要是你的店能不能给人带来价值，能服务人民这才是开店的意义，所以只要技术到位网店是可以赚钱的。
平面设计师在网上开店能赚钱吗？
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平面设计有前途吗？ 做平面设计不赚钱怎么办呀
平面设计的应用最广泛，几乎无处不在。
你有留意过你所在城市中的美术馆和博物馆吗？其中的平面设计承载了不同美术流派的演化和当地的历史。
如今美术馆的作用已经不止局限于基本的陈列展示，教育机构、社交场所、参与文化传播，还有，艺术商店——美术馆有了更多的角色。
除了展品，美术馆有太多你可能随时忽略掉的好设计。可能是售票处的拐角、藏在出口旁的小空间、你没有抬起头看过的标识物……
这些平面设计，它可能决定了一家美术馆的气质。
艺术和设计一直存在相互的渗透和交叉，而平面设计师作为其中辅助性的参与者，在与美术馆有关的各种平台和环境内影响着人们参观时的感受，与观众产生互动。
设计师们负责了文化机构的视觉形象设计，包括标志，海报，出版物，作品说明，导览地图，以及更多从中衍生出的传播介质。
他们往往结合建筑空间和美术馆的特征，发挥自己的个人创意，塑造出美术馆在人们心中的形象。同时，也基于特定的需求，设计出具有功能性的标识体系，两者相辅相成，服务于观众，让平面标识和物理空间有机的结合在一起。
顺应变化着的世界，社会背景和技术的变化发展，设计师们的实践在不同语境下产生了不一样的结果。他们以别具一格的方式，为字符和图案附加了文化属性，体现了平面设计的发展和设计师们的巧妙构思，让文化机构的形象更具吸引力，促使更多的人走进美术馆了解艺术，营造出更加开放、包容的文化场景。
我们选取了数个设计师为不同美术馆设计的视觉系统，尝试让你从这些具有影响力案例中了解平面设计在其中发挥的作用。
法国巴黎的卢浮宫作为全球参观人数最多的博物馆，也是全球最为知名的美术馆之一。曾经作为法国统治者的王宫转变为如今面向公众开放的文化机构，见证了法国从封建社会到现代国家的变化，馆藏囊括了众多世界名作，同样记录着人类的历史。
1989 年，以贝聿铭为卢浮宫设计的玻璃金字塔入口建成为契机，卢浮宫的管理团队开始着手博物馆的视觉形象更新，需要设计一个能够代表卢浮宫的标志，以便更好的和公众沟通。
平面设计师 Pierre Bernard 和他参与创立的工作室 Grapus 为卢浮宫设计了标志，契合古典建筑和藏品的特点，希望传达出美术作品中隽永、不被时间影响的美感。设计师与他的合作伙伴在 1968 年巴黎学潮的抗议活动中相识，同为共产主义者，他们相信设计和文化产品能够影响公众，为社会进步做出贡献。
Bernard 选用了 Granjon 字体作为标志的主体， Granjon 是由英国设计师 George W Jones 以十六世纪法国书籍上使用的印刷体为蓝本创造的旧体衬线字体，带有法国文艺复兴风格，与美术馆的视觉风格契合。而另一方面，他们决定截取出单词 Louvre，让标志更加简洁，容易记忆。
在标志的构成上，Bernard 运用了象征性的表达方式。选取了一张带有云朵的天空图像，修长的白色字体飘浮在广阔无限的天空，让标志的组成与观看艺术的体验相关联，呼应了人们仰望天空时的感触，共同指向了一种神秘的、难以用语言形容的崇高体验。
在印刷技术不甚发达的九十年代，带有背景的标志十分罕见。无疑也是最具革新性的，黑白图像给二维标志带来了更为丰富的感受，这一设计也沿用至今日。
设计师还将画作和雕塑从博物馆背景中截取出来，散落在白色背景里，图片之间叠加、拼接在一起，以更加现代的手法演绎了经典作品，设计出博物馆目录。
蓬皮杜中心由 Renzo Piano 和 Richard Rogers 设计，错综复杂的钢铁结构组成了一座巨大的文化工厂，建筑师将建筑的骨骼和内部结构展现在人们的眼前，在不同的结构和管道漆上鲜明的颜色，区分着功能。
为充满典雅建筑的巴黎带来了的新鲜气息，划时代的高科技风格在今天看来仍然保有激进的特质。
瑞士设计师 Jean Widmer 受邀为中心设计了图案标志，将图案和标志性的建筑外形联系起来，用醒目的几何线条勾勒出从底层贯穿至顶层的扶手电梯，如同旗帜一般。强调着美术馆令人印象深刻的建筑结构。
但实际上，Widmer 原本希望图案能够按照他的设想进行艺术加工，只绘制五条粗线以获得视觉上的理想状态，但决策者与他的理想产生了分歧，坚持要保留六根线条，与实际楼层相符。但最终的结果也获得了大众的认可。
他还为美术馆设计了空间中的标识系统，为了避免庞杂的信息让空间的观感混乱，使用了垂直的标牌，以更好的引导访客的视线。
Widmer 曾就读于苏黎世艺术学院，而当时的校长正是曾在包豪斯担任教授的设计师 Johannes Itten。受 Itten 的色环理论启发，Widmer 设计了馆内的识别系统。用互补色区分了不同的部门。
2000 年至 2008 年期间，由设计了卢浮宫标志的设计师 Bernard 成立的工作室 Atelier de création graphique 继续发展美术馆的平面系统，Bernard 在这期间设计了更加成熟的体系，注重展览宣传和海报以及广告，统一了宣传资料的版式。
自 2009 年起，CL design 在过去的基础上继续完善了馆内的导览标识，为了保证观众能够更有效率的找到展览场地，在标牌方面做出了改善。
大厅内加装了灯箱装置。二极管构成的招牌具有活跃的气息，让空间更加贴近生活。
建筑事务所 OMA 受百货商场 Galeries Lafayette 委托，将位于巴黎 Le Marais 区的一栋旧工业建筑改建成了画廊，项目包含了讲座和表演空间。是 OMA 在原有建筑结构旁加装了两组电机和移动楼板，楼板能够在不同的楼层之间移动，以适应不同需求。
与原本楼层的边缘相连，扩充了不同楼层的展览空间，在移动楼板上举办展览和表演，这些具有活动性的楼板让建筑的空间拥有了更加多样的使用方式，展览空间不再被固定的高度所限制，建筑成为了活动的机器。
品牌咨询公司 Wolff Olins 因大胆，活泼的风格获得了广泛的关注。在 2012 年设计了伦敦奥运会的标志，还与 Marina Willer 共同设计过 Tate 博物馆的标志。
Olins 的设计师为画廊设计的字体以建筑的可活动性为出发点，打造了一套风格活泼的字体，他们改变了每个字母的高度，并将其切割开，分成两个部分的字体在暗示建筑的特殊的功能性。就像调皮的字母们在乘坐升降机，却被看不见的楼板挡住了一半身体，处于运动状态的字符和机械结构相呼应。让展览空间的标志更加活跃。
同时，设计师们也为此字体开发了一套算法，在键入字符时字母的高度会随机改变。产生不同的形态组合，处于动态中的字
